that's entertainment!

Su retrato en los periódicos

2007-01-29T13:13:00.000+01:00

Es una verdad reconocida universalmente (que diría Jane Austen) que las carreras de los más exitosos actores de cine suelen ser, en muchas ocasiones, producto de las más absolutas casualidades. Muchos de los que hoy consideramos “clásicos” o “grandísimas estrellas” de la gran pantalla deben su éxito y sus carreras a golpes de suerte de lo más inesperado y muchos de ellos estuvieron, en algún momento, más cerca del fracaso y el olvido más absoluto que del estrellato internacional. Os voy a poner un ejemplo:

En 1915, D, W, Griffith, productor, director de cine y autor de magnas obras como “El nacimiento de una nación” o “Intolerancia”, contrató a un veterano y reputado actor, autor y director de teatro llamado John Emerson. Griffith siempre había considerado el cine como un arte menor, comparado con el teatro, y cuando Emerson le comentó que estaba interesado en probar suerte como director de cine, a Griffith le faltó tiempo para firmar el contrato.

Tras un primer periodo de familiarización con las técnicas cinematográficas y tras rodar dos películas, Emerson comenzó a bucear entre el material que producía el departamento de guiones en busca de el vehículo adecuado para su siguiente proyecto.

Entre las decenas de historietas y sinopsis que revisó, encontró una “Su retrato en los periódicos”, que le llamó particularmente la atención.

La historia era una sátira de la alta sociedad de Pasadera escrita con un sentido del humor muy particular y que encantó a Emerson. Griffith, sin embargo, no compartió su entusiasmo, la historia era divertida, sí, de hecho él la había comprado porque le hacía gracia, pero su comicidad residía en diálogos y descripciones y eso era imposible de transmitir en pantalla. (Al cine sonoro aún le quedaban 15 años para llegar)

-“Bueno, pondremos intertítulos para que la gente pueda leer los diálogos”

- “La gente no va al cine a leer” fue la respuesta de Griffith.

Sin embargo Emerson se empeñó y, tras mucho insistir, consiguió que Griffith diera luz verde al proyecto. Emerson quería como protagonista a un joven y apuesto actor de Broadway que estaba en ese momento bajo contrato en los estudios de Griffith y que, hasta el momento, no había causado gran impresión, no a su jefe ni al público en general.

- “Está bien, accedió Griffith, pero tendrás que terminar la película antes de que acabe su contrato, porque no vamos a renovarle.

Griffith se marchó a filmar Intolerancia y Emerson comenzó a trabajar con entusiasmo en la que sería su primera comedia. Llamó al misterioso A. Loos, autor de la sinopsis y descubrió con sorpresa que no se trataba de un veterano guionista, si no de una minúscula veinteañera de nombre Anita, con un gran talento para comedia más mordaz. Juntos escribieron un buen puñado de diálogos cómicos con los que subtitular la película y Emerson rodó la cinta con aquel joven actor que, a pesar de tener ya un pie en el tren de vuelta a Nueva York, estuvo más que encantado de incorporar a la cinta multitud de payasadas de su propia cosecha.

El resultado final, sin embargo, no impresionó ni lo más mínimo a Griffith.

- “No, esto no funciona, sentenció tras leer la larga retahíla de subtítulos que acompañaban a la película, tendremos que archivarla”.

Pero cuando el destino ha decidido que alguien se convierta en una superestrella de calibre mundial, ni el productor más influyente del mundo puede hacer nada por evitarlo. El departamento de envíos del estudio ya había mandado una copia de “Su retrato en los periódicos” a la distribuidora de Nueva York y, de nuevo cosas del destino, un error en la distribuidora hizo que el Roxy Movie Palace de Nueva York se quedara sin la película de estreno que tenía contratada, una cinta protagonizada por el entonces famosísimo Eddie Dillon.

Ante la perspectiva de no proyectar nada o arriesgarse con una película protagonizada por un completo desconocido, el gerente, Mr. Rothapel, optó por programar la cinta de Emerson, ésa misma que Griffith quería archivar.

- “No nos ha llegado la cinta de Dillon, avisó al público, mientras la esperamos, vamos a sustituirla por una comedia llamada “Su retrato en los periódicos”.

Comenzó la película, primer subtítulo: primera carcajada general, a medida que avanzaba la película arreciaban las risas. A mitad de proyección llegó por fin la lata con el film que esperaba Rothapel y se interrumpió la proyección.

- “Ha llegado la película que esperábamos ¿Queréis que quite ésta?”

Pero para entonces, tanto la historia con sus largos subtítulos, como su apuesto protagonista se habían metido al público en el bolsillo y nadie se acordaba ya de Eddie Dillon.

Al día siguiente la crítica del New York Times proclamaba: “La sátira ha llegado a la pantalla, el cine empieza a salir de la infancia”.

La película fue un éxito absoluto, Griffith reconoció su error y encargó a Anita Loos toda una serie de larguísimos subtítulos para “Intolerancia”, renovó el contrato del joven actor y designó a Emerson como único director encargado de sus películas.

Con semejante éxito a sus espaldas, el talento de su nuevo director y su nueva guionista (que se casarían poco después), su propio talento y, sobre todo, su impresionante físico, nuestro protagonista se convirtió, de la noche a la mañana, en la nueva estrella cómica y, poco después, el rey indiscutible del cine de aventuras, se casó con la novia de América, la dulce Mary Pickford, creó junto a la propia Pickford, Griffith y Charlie Chaplin la United Artists, fue miembro fundador de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas y su primer y flamante presidente. Y, al contrario que en el caso de Eddie Dillon, aquel famosísimo actor al que sustituyó un día en el Roíz Movie Palace de Nueva York, su nombre todavía se recuerda hoy como un clásico entre los clásicos: ¿Quién no ha oído hablar de Douglas Fairbanks?

Pasarela Hollywood

2007-01-15T11:15:00.000+01:00

El reciente estreno de “The Queen”, la película de Stephen Frears protagonizada por Helen Mirren, ha supuesto fabulosas críticas, premios y nominaciones a sus creadores y protagonistas y un inesperado pero no tan sorprendente resurgir de las chaquetas Barbour.

Al parecer cientos de clientes se han acercado a las diferentes tiendas de la marca, pidiendo “esa chaqueta que lleva Helen Mirren en The Queen”. Esa misma chaqueta la usa la verdadera reina de Inglaterra desde hace años, pero ha tenido que aparecer en pantalla en una superproducción de éxito para que saltara al top ten de las páginas de moda. Cosas de las películas.

Y es que, lo queramos o no, el cine y la moda van unidos de manera irremediable. Y ha sido así desde el principio. Primero fueron los rubios tirabuzones de Mary Pickford, la novia de América, los que impusieron su tiranía de tenacillas y rizadores, para, a continuación, ser sustituidos por la melenita oscura a lo garçon de Clara Bow, la chica It. Katharine Hepburn fue famosa, y bastante criticada, por implantar entre las mujeres el uso de pantalones de caballero y la cabellera platino de Jane Harlow multiplicó la venta de agua oxigenada durante años.

La ropa que llevan los actores y sus peinados, sin embargo, han tenido en ocasiones repercusiones sorprendentes y nada beneficiosas. En 1934, Clark Gable protagonizó una película llamada “Sucedió una noche” que ha pasado a la historia del cine por ser el primer film en ganar cincos Oscars en las cinco principales categorías: Película, Director, Mejor Actriz, Mejor Actor y Mejor Guión.
En su escena más famosa, Clark Gable se desnuda (de cintura para arriba) frente a la cámara preparándose para irse a la cama mientras no deja de decir sandeces para picar a su partenaire femenina, Claudette Colbert.
El rodaje de tan memorable momento resultó ser, cuanto menos, problemático porque, tras quitarse la camisa y llegado el momento de deshacerse de la camiseta interior, Gable era incapaz de seguir adelante con su parlamento cómico y la escena quedaba demasiado larga. El director, Frank Capra, siempre resolutivo él, optó por deshacerse de la camiseta y acortar así el strip-tease. Cuando la película llegó a las pantallas, miles de espectadores pudieron ver a Clark Gable quitándose la camisa para mostrar su pecho desnudo y como consecuencia, la venta de camisetas interiores descendió hasta el punto de que varios fabricantes de dicha prenda se plantearon la posibilidad de demandar a la Columbia, productora de la cinta, por daños y perjuicios.

La demanda no llegó a mayores y los fabricantes de camisetas interiores obtuvieron su revancha cuando años más tarde, en 1951, las ventas se dispararon de nuevo tras la interpretación de Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo. Su personaje mostraba cacha y magnetismo animal embutido en una camiseta interior zarrapastrosa que no dejaba ni un solo músculo a la imaginación de los espectadores.

Otra de esas consecuencias inesperadas de la moda marcada por el celuloide vino de la mano de la rubia Veronica Lake. Icono sexual de los años 40, Lake era famosa por llevar su larga melena rubia sobre la cara de tal manera que su ojo derecho y gran parte del rostro quedaban ocultos tras una cortina de pelo. Ni que decir tiene que el peinado fue pronto uno de los más demandados en las peluquerías del país, pero durante la Segunda Guerra Mundial se convirtió en un auténtico problema de seguridad nacional cuando miles de mujeres que trabajaban en las fábricas de armamento empezaron a tener todo tipo de accidentes laborales, trabajar con un ojo tapado no es muy recomendable cuando estás manipulando maquinaria pesada, y si además se te engancha el pelo cada dos por tres, la cosa adquiere tintes realmente peligrosos. El asunto llegó a tal extremo que la propia industria armamentística le dio un toque a los señores de Hollywood y a Verónica Lake no le quedó otra que protagonizar un noticiario de la Paramount en el que se la veía recogiéndose el pelo tras sufrir un “enganchón” del flequillo en una prensa mecánica.

Cosas del cine, como decía. Que los actores marcan moda, nadie puede negarlo, ahora bien, que marquen la moda que ellos o los productores o, principalmente, los patrocinadores pretenden… es harina de otro costal.

Cambios

2006-12-26T09:47:00.000+01:00

En un intento desesperado por conseguir que el nuevo blogger me permita migrar mis blogs de una PUÑETERA VEZ, voy a simplificar mis plantillas al máximo.

Si todo sale bien, en pocos días volveremos al look de siempre (o quizás a un look mejorado, quién sabe).

The unsuspecting wife

2006-11-17T10:02:00.000+01:00

-“Todo lo que quiero por Navidades es hacer otra película con Audrey Hepburn”.

Desgraciadamente los deseos de Cary Grant nunca se cumplieron y, tras su maravillosa colaboración en Charada, la pareja no volvió a repetir en la gran pantalla.

Charada, producida en 1963, es una de esas películas inolvidables en que todo fluye sin contratiempos, la trama, los diálogos, la realización, las fantásticas localizaciones de París, las interpretaciones de los actores…

Sin embargo, al igual que ocurriera con muchas de las películas que hoy consideramos verdaderos clásicos, Charada estuvo a punto de ser un proyecto más, olvidado en el fondo de un cajón en, por lo menos, dos ocasiones.

Peter Stone, el guionista, trabajaba en París como redactor para la CBS cuando se le ocurrió la idea para el guión. Lo escribió y lo envió a siete de los grandes estudios de Hollywood. Los siete pasaron. Desanimado y decepcionado, decidió seguir los consejos de su mujer y lo novelizó.

Su agente envió entonces el relato a Stanley Donen, que además de director era productor de sus propias películas, y éste se interesó inmediatamente por el material, también lo hicieron los siete estudios que lo habían rechazado tan expeditamente cuando les llegó en formato de guión.

Peter Stone decidió venderle el guión a Stanley Donen por tres razones muy claras, en primer lugar porque no pertenecía a ninguno de aquellos siete odiosos estudios, en segundo lugar porque le gustaba el estilo de Donen y sabía que rodaría en localizaciones reales en Europa y no en un estudio de Culver City y en tercer lugar porque Stone había escrito la película específicamente con Cary Grant y Audrey Hepburn en mente y Donen ya había trabajado con ambos – con Audrey en Una cara con angel y con Grant en Bésalas por mí, Indiscreta y Página en blanco- y tenía buenas relaciones con ellos.

Stanley Donen habló con Cary Grant, que accedió a hacer la película, y con Audrey Hepburn que dio también su aprobación siempre y cuando el co-protagonista fuera Cary Grant. Con las dos estrellas en el bote, Donen llegó a una acuerdo con Columbia para coproducir la película.

Pero en Hollywood las cosas nunca son así de fáciles. Cuando ya estaba todo cerrado, Cary Grant cambió de opinión y se fue del proyecto. Sin Cary Grant como protagonista Audrey Hepburn no estaba interesada y también abandonó, la Columbia entonces propuso a Warren Beatty y Natalie Wood para sustituirlos y Stanley Donen ¡¡ACEPTÓ!!.

Pero, una vez más, cuando ya todo estaba listo para comenzar el rodaje, la Columbia decidió que, en el fondo, no les interesaba tanto el proyecto, ni siquiera con Beatty y Wood, y se retiraron.

Y entonces ocurrió lo que ya nadie pensaba que ocurriría, Cary Grant, que supuestamente se había ido a hacer una comedia con Howard Hawks, decidió que no le convencía mucho el guión, se lo pensó dos veces y llamó de nuevo a Stanley Donen para informarle de que, después de todo, sí quería hacer Charada. Audrey Hepburn regresó encantada de la vida y a la Universal le faltó tiempo para llegar a un acuerdo de coproducción con la compañía de Stanley Donen. La maquinaria estaba de nuevo en marcha.

Cary Grant sólo puso una condición para hacer la película, quería algunos cambios en el guión. En la historia original es su personaje el que seduce a la indefensa viuda y Grant, muy consciente de la diferencia de edad con Audrey Hepburn –él cumpliría los 60 durante el rodaje, ella apenas tenía 34 años- creía que no sólo era poco creíble que un “viejales” sedujera a una jovencita, sino que podía provocar reacciones negativas en el público.

Peter Stone se reunió con él durante un par de días, escucho sus reticencias y sugerencias y cambió el guión para que fuera ella la que le persigue y trata de seducirle, e incluyó diversas alusiones y bromas sobre la diferencia de edad.

Diferencia de edad o no, la química entre ambos es innegable y el rodaje fue, al parecer, una auténtica gozada y eso, a pesar de que su primer encuentro fue un auténtico desastre.

Como nunca habían coincidido, Audrey Hepburn le pidió a Stanley Donen que lo arreglara para que pudieran conocerse antes de comenzar la producción. Donen les citó en un restaurante italiano de París y allí se encontraron los tres para cenar juntos.

Al parecer Audrey Hepburn estaba nerviosísima ante la perspectiva del encuentro con Cary Grant y cuando éste apareció en el restaurante, elegante como sólo Cary Gran podía serlo, le faltó tiempo para comentárselo, casi hiperventilando por culpa de la ansiedad.

- “No te preocupes" le dijo Grant "mira, respira hondo, siéntate y mete la cabeza entre las piernas, ya verás cómo se te pasa”.

La Hepburn siguió sus instrucciones con tanta presteza que le dio un cachiporrazo a la mesa y derramó una botella entera de vino sobre el impecable traje de color claro de Cary Grant. Éste ni se inmutó, se lo tomó todo a guasa y la cena, empapada en vino, fue un auténtico éxito.

Posteriormente Peter Stone recicló la anécdota en la escena en la que Regina estampa un helado en la chaqueta de Peter Joshua (¿O es Alexander Dyle?)

Sin duda, de todas las escenas de Charada, la más famosa, la que más gente recuerda, es la escena de la ducha. Como ocurre en muchas ocasiones, las escenas favoritas del público no siempre son las escenas favoritas de los actores, de hecho, a Cary Grant no le gustaba un pimiento y hasta el mismo día del rodaje trató de convencer a Stanley Donen y Peter Stone de que la eliminaran del guión. Intento infructuoso, afortunadamente. Al final la rodó y se lo pasó tan bien haciendo el payaso bajo la ducha que incluso improvisó gran parte del diálogo.

Misterio, humor, romance, y sobretodo, magia, mucha magia son los elementos de Charada, una película de las que no se olvidan y que nos llegó de pura chiripa gracias a la testarudez de Peter Stone y el buen ojo clínico de Stanley Donen, que supo apreciar sus posibilidades y sólo puso una exigencia al guionista: que le cambiara el título.

Lo cambiaron. Nunca se sabe, tal vez habría tenido el mismo éxito con el título original y hoy, en lugar de Charada, estaríamos hablando de las maravillas de ese clásico entre los clásicos llamado “The unsuspecting wife”.

Yo tenía una barca en África

2006-11-12T00:30:00.000+01:00

Fue la primera película en color de su protagonista femenina
Supuso el primer –y tristemente único- Oscar para su protagonista masculino
Propició el primer viaje a África de su realizador.

Antes de su adaptación definitiva en 1951, la novela, escrita por C. S. Forester, se intentó llevar a la pantalla en, por lo menos, dos ocasiones: la primera en 1938 con Bette Davis y David Niven y la segunda en 1947, de nuevo con Bette Davis pero en esta ocasión acompañada por James Mason.

Para bien o para mal ninguno de los dos proyectos vio la luz y la adaptación que finalmente llevó a la pantalla John Huston se convirtió en un auténtico éxito de crítica y público y convirtió a su protagonista, hasta la llegada muchos años más tarde de James Cameron, en el barco más famoso de la historia del cine. Hablamos, por supuesto, de La reina de África.

El rodaje de “La Reina de África” fue uno de esos ejemplos de Ley de Murphy en que “todo lo que puede salir mal, sale mal”.

El 80% de la película fue rodado en localizaciones reales del Congo Belga y Uganda. El calor era espantoso, la humedad alcanzaba el 90% y el tiempo era imprevisible: en dos minutos se cerraba el cielo, se abrían las nubes y toda la furia de los dioses caía sobre el equipo de rodaje en forma de lluvia. De la misma manera que llegaba la lluvia, se iba. En dos minutos cesaba el aguacero, desaparecían las nubes y reaparecía el sol y el personal rescataba cámaras, equipo y generadores de allá donde hubieran tratado de protegerlos del agua (los actores que se las apañaran solos) y recomenzaban el rodaje.

La barca protagonista y las distintas balsas sobre las que habían montado secciones de la misma para facilitar la filmación, resultaron ser otro problema. Eran imprevisibles, difíciles de controlar y cada dos por tres se anegaban de agua, volcaban, se estancaban donde no debían, o hacían todo lo contrario, avanzando cuando debían pararse. La propia Reina de África se hundió durante una noche, a los pocos días de despedir al encargado de mantenimiento. Todo el equipo tuvo que arrimar el hombro y ayudar a reflotarla por el viejo sistema de tirar de la cuerda, el mecánico fue contratado de nuevo y rodaje y barca volvieron a su cauce, con varios días de retraso, por supuesto.

Por si esto fuera poco, habían llegado a África con el guión a medio terminar. Peter Viertel, colaborador de Huston y guionista no acreditado de la película, escribía y rescribía mientras rodaban, escuchaba pacientemente las quejas y preocupaciones de la Hepburn por un guión que no terminaba de rematar y soportaba las curiosas idas de cesta de un John Huston más interesado en usar su tiempo libre cazando elefantes que discutiendo puntos de giro.

-"Te diré una cosa sobre él" le dijo un día Bogart a Hepburn tratando de convencerla de que no se fuera con Huston de safari "no es el jodido Guillermo Tell". Y parece que tenía razón.

A mitad de rodaje y ya en Uganda, el equipo completo cayó enfermo con disentería, el agua embotellada que estaban bebiendo para evitar los “peligros” del agua local estaba en mal estado y no se salvó ni uno… bueno, miento, se salvaron dos. John Huston y Humphrey Bogart, inspirados sin duda por los dioses, habían ignorado la existencia del agua mineral y apagaban su sed exclusivamente con el mejor whiskey escocés. Motivo de escarnio para Katharine Hepburn que se pasó medio rodaje leyéndoles la cartilla y explicándoles, como buena hija de urólogo, la importancia y grandes beneficios de beber grandes cantidades de agua al día.

Incendios, inundaciones, hundimientos, intoxicaciones, plagas de insectos… conformaron el rodaje de una de las películas más memorables de la historia del cine.
Un rodaje que dio origen a lo que sería, citando a un tal Rick, “el comienzo de una hermosa amistad” entre los Bogart y la pareja Katharine Hepburn-Spencer Tracy.

Y por si todo eso fuera poco, pocos años después el guionista Peter Viertel decidió usar sus recuerdos del accidentado viaje y su peculiar colaboración con John Huston como inspiración para una novelilla titulada “Cazador blanco, corazón negro”.

- “Por la autoridad investida en mí por el Kaiser Guillermo II, yo os declaro marido y mujer. ¡Procedan con la ejecución!”

'S Wonderful

2006-10-19T22:45:00.000+02:00

“No sabe actuar, no sabe cantar, calvo. Baila un poquito”.

Esa es la evaluación que, según la leyenda, mereció su primera prueba de cámara para la RKO. El autor de dicho informe no pasará a la posteridad por su ojo clínico, desde luego, porque aquel tipejo larguirucho, calvo, incapaz de actuar, de cantar y con sólo unas “exiguas dotes” como bailarín terminó convirtiéndose en “the greatest dancer in the world” según palabras del muy reputado George Balanchine, que algo sabía del tema.

Fred Astaire empezó como un chaval acompañando a su hermana Adele en el teatro de vaudeville y, más tarde, en Broadway donde se convirtieron en la gran sensación como pareja de baile. Del escenario al celuloide solo había un paso, de baile obviamente, y en apenas dos años desde su debut todo el mundo se maravillaba de la elegancia con la que manejaba sus zapatos de claqué.

Todos le recordamos en sus películas con Ginger Rogers, sin embargo, Fred Astaire actuó en 30 musicales y sólo 10 de ellos con ella. De todas sus parejas de baile, parece que con la que más a gusto trabajó fue con Rita Hayworth.

Sombrero de copa, chaqué, zapatos relucientes… es difícil imaginar a Fred Astaire de otra manera y durante años su forma de vestir fuera de las pantallas marcó estilo siendo responsable de toda una serie de creaciones de moda que trataban de recrear el “toque Astaire”.

Fred Astaire era tímido, muy tímido, se ponía nerviosísimo en público y lo pasaba fatal cuando tenía que bailar delante de extraños en cualquier acontecimiento social. Su hija Ava asegura que el peor recuerdo de su vida es su noche de debutante. En estas ceremonias de presentación de jovencitas de alta sociedad es habitual iniciar la velada con los padres sacando a bailar a sus hijas. Aquella noche, obviamente, todas las miradas estaban fijas en Ava y Fred Astaire que, al parecer, se puso tan nervioso que no dejó de tropezar y pisar a su hija hasta que terminó el vals.

En privado, sin embargo, no tenía tantos problemas para bailar y cualquier elemento servía para sus improvisadas coreografías, como bien atestigua David Niven, que se lo encontró una tarde en su casa con la música a todo meter, bailando entre sus muebles con su mujer (la de Niven) y usando sus palos de golf como si fueran espadas de una improvisada lucha.

Después del baile, la gran pasión de Fred Astaire eran los caballos, pasión que compartía con su mujer Phyllis y que le llevó a crear de la nada una cuadra de caballos de competición que lo ganó prácticamente todo.

Tal era su pasión por sus caballos que, este hombre conocido por su modestia, y su afán por una vida tranquila y lejos del barullo de fiestas y publicidad gratuita de Hollywood cometió su única locura (reconocida) una noche en que, poseído por no se sabe qué fiebre extraña, se levantó en mitad de la madrugada y pintó todos los buzones de Beverly Hills con los colores de su cuadra. “No sé qué demonios me pasó” aseguraría después, divertido.

De su sistema de trabajo se sabe todo, que ensayaba inmisericorde durante meses antes de filmar las escenas de baile, que hacía un par de pruebas para que los técnicos (iluminación y sonido) y el cámara pudieran preparar la escena y que, por lo general, lo clavaba a la primera aunque el perfeccionista que llevaba dentro siempre pedía tomas y más tomas.
Los días que rodaba grandes números de baile sus compañeros del estudio se daban tortas para poder asistir y ser testigos en directo de la magia de Fred Astaire.

Él fue el que estableció que la cámara se quedara lo más quieta posible mientras filmaba los números de baile “o baila la cámara o bailo yo” y se empeñaba en que, en la medida de lo posible, se les viera de cuerpo entero mientras ejecutaban la coreografía, nada de planos cortos, nada de detalles de los zapatos taconeando o de los rostros sonriendo, que se viera el número, en definitiva, en toda su gloria.

A este señor que “bailaba un poquito”, el baile le acompañó hasta los últimos días de su vida porque, aunque su último músical lo rodara en 1968, nunca dejó de practicar.

Cuando los años empezaron a cansarle el cuerpo le dio por bailar e inventar coreografías con el monopatín de su nieto hasta que sus hijos se lo confiscaron cuando se rompió la muñeca en una caída. El incidente saltó a los periódicos y la National Skateboard Society aprovechó para nombrarle miembro vitalicio. Tenía entonces 78 años.

Pero ni entonces perdió Astaire el buen humor: “Gene Kelly me advirtió que no hiciera el tonto, pero he visto las cosas que hacen los chavales en televisión, todos esos trucos. ¡Las coreografías que podría haber hecho para mis películas si (los monopatines) hubieran existido hace unos cuantos años!”.

One can only imagine, Mr. Astaire.

PAMPLINAS (y olé)

2006-10-12T18:30:00.000+02:00

Pamplina: (Del lat. Papaverina, y este de papaver, amapola)

3. f. coloq. Dicho o cosa de poca entidad, fundamento o utilidad. U. m. en pl. ¡Con buenas pamplinas me vienes!

4. f. coloq. Manifestación poco sincera que pretende halagar a alguien o congraciarse con él. U. m. en pl. No intentes engañarme con tus pamplinas.

Pamplinas es el nombre que se le dio en España a un personajillo del cine de los años 20, muy popular en aquella época, famoso por sus espectaculares caídas, trompazos y gags físicos y por no sonreír jamás.

Su nombre era Buster Keaton y forma, junto a Charles Chaplin y Harold Lloyd la gran tríada de cómicos de la era muda. Tres genios curtidos en el teatro del vodevil y con un instinto único para arrancar la risa de las situaciones más cotidianas.

Buster Keaton empezó en eso de la comedia a la edad de un añito como parte del show de sus padres, cómicos ellos. Y no es que sus progenitores estuvieran deseando enseñar los trucos de la profesión a su primogénito, ni mucho menos, pero al parecer Keaton estaba tan ansioso por imitar a sus padres que en el momento en que empezó a moverse por sí mismo (gatear) todo su afán fue salir al escenario.

Al final sus padres consideraron que era más seguro tenerlo por allí danzando, donde podían verlo y tenerlo controlado, que dejarlo en el camerino o entre bambalinas.
Y así empezó su carrera como “la bayeta humana”. Su padre lo usaba en uno de los números como si fuera una escoba para limpiar el suelo del escenario, lo lanzaba, lo meneaba, lo sacudía… y Buster encantado, para él era sólo un juego, controlaba su cuerpo, había aprendido a caer y sabía qué músculos relajar y cuáles contraer para no hacerse daño. Su número tenía tal fama de violento y salvaje, que ciudad grande en la que aterrizaban, ciudad en la que la asociación de defensa del menor de turno intentaba prohibirlo alegando maltrato físico, pero jamás le encontraron un solo cardenal con el que apoyar sus argumentos.

Al cine llegó de la mano del que por entonces era el rey de los cortos cómicos: “Fatty” Arbuckle, con él se convirtió en el mayor especialista en lanzamientos de tartas y de él aprendió todo lo que tenía que aprender sobre el medio que le daría fama mundial.

Hace un par de posts os contaba cómo Jerry Lewis y Dean Martin colapsaron el tráfico del centro de Nueva York con aquella actuación en una escalera de incendios del Paramount Theatre. Por muy impresionante que sea la hazaña, que lo fue, Jerry y Dean no fueron los primeros en lograr. 21 años antes lo hizo Buster Keaton y sin proponérselo en absoluto.

Se encontraba en Nueva York para empezar el rodaje de su primera película para la MGM, "El Cameraman". Thalberg, productor del estudio, se había empeñado en que rodaran los exteriores de la historia en localizaciones reales en lugar de decorados. A Keaton no le ilusionaba mucho la idea porque siempre había trabajado en estudio donde podía controlar por completo el entorno pero no le quedó más remedio que ceder y para allá que se fueron.

Como lo único que necesitaban era unas cuantas tomas de su personaje caminando por distintas calles de la ciudad, decidieron rodar de incógnito, con las cámaras escondidas en el interior de una limusina grabando a través de las ventanillas posteriores.

Y allí estaba Buster Keaton, en la confluencia de la Quinta Avenida con la Calle 23, convertido en un pobre fotógrafo que trata de cruzar la calle con su trípode y su cámara de placas al hombro cuando, de repente, oye un estentóreo “¡Eh, Keaton!” y comprueba horrorizado que el del grito es nada menos que el conductor de un tranvía que para saludarle ha detenido el vehículo en plena intersección y que, de paso, ha alertado de su identidad a todos sus pasajeros y a un buen número de transeúntes que rodean al actor en cuestión de segundos.
Para cuando el resto de su equipo quiso reaccionar y sacarlo de allí, Keaton había desaparecido en medio de una auténtica multitud y el barullo era tal que ni autobuses ni vehículos privados podían avanzar. Los tranvías, tanto de la línea este-oeste como de la línea norte-sur en Broadway empezaron a detenerse incapaces de continuar con sus rutas hasta formar sendas hileras en unas tres manzanas a la redonda.

Un gran baño de multitudes que, sin duda, le preparó para lo que le esperaba un par de años más tarde.
Nada más hacer su primera película sonora, Búster Keaton se tomó unas largas vacaciones que aprovechó para recorrer Europa. El último de sus destinos fue España. Aquí se reunió con el actor Gilbert Roland, mejicano de origen e hijo de torero. Lo primero que hicieron nada más llegar a San Sebastián fue, por supuesto, acudir a una corrida de toros. Al poco de sentarse, un murmullo empezó a recorrer la plaza entera, murmullo que se fue convirtiendo en un auténtico rugido con el que todos los espectadores coreaban un solo nombre ¡¡PAMPLINAS!! Decir que Keaton flipó es quedarse corto. Pero lo mejor todavía estaba por llegar. Días más tarde, en Toledo, Keaton y Roland acudieron a otra corrida, para entonces el actor ya estaba acostumbrado a tener que levantarse y saludar a una afición que coreaba su nombre nada más verle y ya había recibido más de un brindis por parte de los toreros, lo que no se esperaba era lo que ocurrió al final de la tarde.
La corrida resultó malísima, los toros eran seis mulas y los toreros estuvieron espantosos, para cuando el arrastre se llevó al sexto toro los aficionados rugían de indignación y en ese momento se abalanzaron todos a una sobre Buster Keaton. El shock debíó de ser de libro, en un país que no conoces, con un idioma que no hablas y de repente miles de ciudadanos furibundos se lanzan encima de ti gritando consignas que no puedes descifrar.

Los miles de ciudadanos furibundos solamente querían ventilar su frustración con los “pincha-uvas” que habían actuado aquella tarde y, ya que no ninguno de ellos merecía salir por la puerta grande, los toledanos decidieron que saliera Pamplinas. Y a hombros lo sacaron de la plaza de toros de Toledo y a hombros lo llevaron hasta depositarlo, sano, salvo y bastante aliviado, en la puerta de su hotel.

¿Pamplinas? ¡¡Torero!!

¿Con o sin?

2006-10-06T01:37:00.000+02:00

El “Pianista en un Burdel” ha hecho que me pusiera a recordar anécdotas relacionadas con Howard Hawks. Howard Hawks es un director que saldrá a relucir bastante a menudo en este blog, por diversos motivos. En primer lugar porque es, sin lugar a dudas, uno de mis cinco directores favoritos de todos los tiempos (y de todos ellos, el único que no fue, estrictamente hablando, guionista), en segundo lugar, porque se codeó con un gran número de personajes y personajillos pintorescos en todo tipo de situaciones rocambolescas y en tercer lugar porque fardaba de ello y era muy dado a contar y exagerar batallitas y de eso, en gran medida, es de lo que se nutre este blog.

El caso es que allá por 1935 Howard Hawks recibió una oferta de ésas que no se pueden rechazar. Samuel Goldwyn, le ofreció 60 mil dólares (el doble de su caché habitual) para dirigir un proyecto que llevaba rondando demasiados meses por su estudio y que le estaba costando un fortunón antes incluso de tener un guión aprobado.

Se trataba de la adaptación de “The Barbary Coast: An informal history of the San Francisco Underworld”, libro escrito por Herbert Asbury –autor de “The Gangs of New York”-

Hawks, aceptó el reto, llamó a sus amigos Ben Hetch y Charles MacArthur para que le echaran un cable con el guión y se dispuso a rodar la película.

A los protagonistas –Joel McCrea y Miriam Hopkins- se los impuso Goldwyn, que para eso acababa de firmar contrato con ambos pero a la hora de asignar actores al resto de personajes Hawks tuvo algo más de voto. Consiguió que la Warner Brothers le prestara a Edward G. Robinson e incluso dio el que sería su segundo papel con diálogo a David Niven. El primero fue en Without Regret y su gran parrafada: “Goodbye, my dear”. En esta ocasión interpretaba a un marinero cockney borracho. Tal y como recuerda David Niven en sus memorias, su actuación consistía en soltar un convencido: “¡está bien, me voy!” para, a continuación, ser arrojado por la ventana del burdel al lodo de la calle y ser pisoteado por los protagonistas, 200 milicianos y un puñado de burros.

Sin embargo, no es esta deslumbrante aparición de David Niven lo que hace especial a Barbaby Coast, no.

Barbary Coast pasará a la historia del cine por ser la primera de las seis fructíferas colaboraciones entre Howard Hawks y Walter Brennan y por marcar el inicio de la brillante carrera del actor.
Walter Brennan, que por entonces tenía unos 40 años pero aparentaba unos 15 más, se había arruinado años antes en uno esos extraños giros que da el mercado inmobiliario estadounidense y que convierte a los millonarios en prácticamente mendigos de la noche a la mañana. Desde entonces sobrevivía haciendo pequeños papelitos y trabajando de extra. A alguien del departamento de producción se le ocurrió que podría servir para uno de los papeles secundarios y se lo envió a Hawks para que hiciera una prueba de cámara.

Vestido de época, mal afeitado, con pinta de ir a descuajeringarse con el siguiente paso que diera, Brennan se presentó ante Haws para su prueba.

- Muy bien, ya sabe lo que tiene que hacer, lea sus líneas… ordenó Hawks con profesionalidad.

- ¿Con o sin? Preguntó Brennan, deseoso de complacer

- ¿Con o sin… qué?

- Con o sin... dientes

Brennan había perdido casi toda su dentadura en un accidente pocos años antes y se quitaba y ponía la postiza a placer según lo requiriera el guión. En esta ocasión, su interpretación “sin” encantó a Hawks, que fue alargando y alargando su papelito de los tres días de trabajo iniciales hasta completar seis semanas de rodaje.

Esta fue la primera de las colaboraciones de Howard Hawks y Walter Brennan, la siguiente: “Come and get it”, tan sólo un año después, le valió a Brennan su primer Oscar (el primero que se entregó en la categoría de actor secundario) y le puso en camino para conseguir el récord de ganar tres Oscars en tan sólo seis años, el primer actor en alcanzar semejante número y, hasta el momento, el único en la categoría de actor secundario.

Y todo, por una inversión que se fue al carajo y un guarrazo que le dejó sin piños. Para que luego digan que la vida no da unas vueltas muy tontas.

"El Suceso"

2006-10-05T02:13:00.000+02:00

Durante los 37 años que transcurrieron desde aquel Viernes Santo de 1958 en que su hija apuñaló a su novio, hasta el día de su muerte, siempre se refirió a ello como “el suceso”.

Aquella noche de Viernes Santo de 1958, la de “el suceso”, era la noche en que Lana Turner por fin iba a terminar su relación con Johnny Stompanato. Harta de sus escenas de celos, sus broncas, sus palizas y sus amenazas, había decidido tomar cartas en el asunto y dar por finiquitada una relación que se había convertido en pesadilla en tan sólo unos meses.

Stompanato había llegado a su vida menos de un año antes haciéndose llamar Johnny Steele. Alto, guapo, cachas, poco a poco fue convenciendo a la actriz a base de flores, llamaditas y regalos hasta que empezaron un apasionado y secretísimo affaire.

Para cuando Lana Turner se enteró del verdadero nombre de su novio y de su profesión –guardaespaldas y machaca de Mickey Cohen, el mafioso local- ya era tarde, su atracción hacia él era demasiado fuerte.

Sin embargo, algo de sentido común debía de quedarle porque intentaba evitar a la prensa en la medida de lo posible.

Poco segura del futuro de semejante relación, decidió aprovechar su viaje a Londres para rodar Brumas de Inquietud –Another time, another place- junto a Sean Connery y poner distancia de por medio. Lana estaba convencida de que Stompanato aprovecharía su ausencia para buscarse a otra mujer a la que sablear, sin embargo, una vez en Inglaterra le entró la morriña y decidió llamarle para que la acompañara. Allí comenzaron todos sus problemas.

Stompanato, hombre violento y muy celoso, empezó sacándole una pistola a Sean Connery, convencido de que entre él y su novia había temita, y siguió dándole una paliza de muerte a la Turner hasta que a ésta no le quedó más remedio que llamar a las autoridades, denunciar que su novio había entrado con pasaporte falso –el que le identificaba como Johnny Steele- y hacer que le deportaran.

Muerta de miedo, una vez que hubo terminado la película, la Turner decidió darse un respiro y volar directamente a Acapulco para descansar, pero Stompanato se le adelantó. Cuando aterrizó en Méjico allí estaba él esperándola, con un enorme ramo de flores y una nube de periodistas para inmortalizar el momento.

En Méjico continuaron las palizas y las amenazas, que sólo empeoraron a su regreso a Los Ángeles cuando la actriz, nominada por su papel en Peyton Place, le comunicó que no pensaba llevarle de acompañante a la ceremonia de entrega de los Oscars. Llevó a su hija y a su regreso a casa se llevó de regalo otra monumental paliza de un muy resentido Stompanato, al que no le había quedado más remedio que ver la ceremonia por la tele y en compañía del servicio.

Todo esto es lo que sucedió antes de aquella noche de Viernes Santo de 1958. Noche en que Lana Turner, harta de escenas de celos, broncas, palizas y amenazas, decidiera terminar su relación con Johnny Stompanato, mafiosillo de tres al cuarto y gigoló cuasi-profesional.

Como es de suponer, Stompanato no se tomó nada bien la noticia y trató de convencer a su novia de que cambiara de opinión. Trató de convencerla, como hacía siempre, a base de gritos, puñetazos, amenazas… la cosa debió de ser bastante más violenta de lo habitual, porque Cheryl, la hija de Lana Turner, intentó entrar varias veces en la habitación de su madre para separarlos. La puerta estaba cerrada y Lana, creyéndose las amenazas de Stompanato de que después de rajarle la cara a ella iba a ir a por su madre y su hija, no la dejó entrar.

En vista del panorama, Cheryl bajó a la cocina y se pertrechó con un cuchillo de trinchar carne. Mientras tanto, en el dormitorio, Stompanato había recogido sus cosas, sin dejar de decirle lindezas a la Turner, por supuesto, y se disponía a salir de la casa. Lana Turner abrió la puerta de la habitación, Cheryl, que seguía muerta de miedo pensando que su madre estaba siendo asesinada, entró y le clavó el cuchillo directamente en el pecho. Con el barullo del momento, confundió las perchas que Stompanato llevaba en la mano con algún tipo de arma y pensó que estaba atacando a su madre.

Tras una minuciosa investigación y tras la vista forense, convertida en un auténtico circo de tres pistas con retransmisión en directo y actuación lacrimosa de Lana Turner incluida, la fiscalía decidió no presentar cargos contra Cheryl Crane y etiquetaron la muerte de Stompanato como homicidio justificado.

Cheryl Crane se fue a vivir con su abuela y Lana Turner siguió con su vida despendolada casándose cuatro veces más (en total, ocho bodas y 7 maridos).
Madre e hija tardarían años en reconciliarse.

La muerte de Johnny Stompanato sacudió los cimientos de Hollywood y conmocionó a la sociedad de la época, siempre ávida de carroña, por lo dramático de sus ingredientes: rutilante estrella del cine, hija adolescente incomprendida, novio violento y peligroso, abusos, amenazas, palizas…
La historia dio lugar a mil teorías y leyendas, la más popular de ellas: que fue Lana la que empuñó el cuchillo aquella noche y obligó a Cheryl a autoinculparse a sabiendas de que ningún tribunal condenaría a una adolescente de 14 años traumatizada y aterrorizada.
El hecho de que la policía tardara varios días en anunciar los resultados de su investigación tampoco ayudó a acallar las miles de especulaciones que se leían en la prensa y se oían por la calle.

Un caos que a punto estuvo de costarle la vida a un pringadillo Sean Connery. La pandilla de Stompanato, tan confundida con las noticias como todos los demás, convencida de que había habido juego sucio y sospechando que tal vez Stompanato tenía razón cuando pensó que entre su novia y el escocés había algo más que trato profesional, puso precio a la cabeza del actor, que no tuvo más remedio que esconderse en un hotelucho de mala muerte bajo nombre ficticio hasta que las aguas se calmaron lo suficiente para dejar de temer por su pellejo.

Y así fue como Johnny Stompanato, marine, veterano de guerra, chantajista, gigoló de tres al cuarto, y matón de la mafia, acabó entrando en la crónica de Hollywood, en la crónica negra, sí, pero crónica al fin y al cabo.

Nobel vs. Oscar

2006-09-28T03:29:00.000+02:00

-Así que escribe usted, señor Faulkner.

-Sí, señor Gable, ¿Y usted a qué se dedica?

Este es el diálogo que supuestamente tuvo lugar entre el escritor y premio Nobel de Literatura William Faulkner y Clark Gable -¿tengo que explicaros quién es ése?- cuando se conocieron en la meca del cine allá por la década de los treinta.

Faulkner había llegado a Hollywood en 1932 contratado por la MGM para dar mayor lustre a su departamento de guiones.
A Irving Thalber, productor prodigio de la Metro, hombre brillante, culto y de olfato infalible -para el negocio del celuloide-, se le había metido en la cabeza -y no era el único- que para hacer películas de calidad necesitaba historias de calidad, y para ello, lo lógico y obvio era conseguir escritores de calidad, si ya estaban consagrados, mejor que mejor, si además de venderles los derechos de sus obras se iban para allá y les escribían unos guioncillos, pues miel sobre hojuelas.

Y como tanto Thalberg como Warner, Cohn, Goldwin, Zanuck… -insértese nombre de productor favorito- podían permitirse tirar de chequera, empezaron a importar escritores de renombre; y allá que se fueron Scott Fitzgerald, Aldous Huxley, Raymond Chandler, John Steinbeck -por citar a algunos- y, por supuesto, William Faulkner, convencidos todos ellos de que si podían parir novelas como “El Gran Gatsby”, “Un mundo feliz”, “El sueño eterno”, “Las Uvas de la ira” o “El Ruido y la Furia”, fácilmente podrían escribir un guioncillo de cine y, de paso, engordar una cuenta bancaria que, por lo general, andaba en números rojos por culpa de extensas cargas familiares, recientes fracasos editoriales y/o el abuso sistemático de sustancias etílicas/opiáceas.

Faulkner, como decía, llegó a Hollywood en 1932. Primera incursión y primer fracaso: No le gustaba el sistema de trabajo, no se acostumbraba al formato del guión, no le interesaba un pimiento lo que estaba haciendo y estaba convencido de no merecerse los aproximadamente 6000 dólares que se llevó calentitos.

Lo cierto es que, al igual que ocurriera con Scott Fitzgerald y, en cierta medida, con Raymond Chandler, Faulkner nunca llegó a adaptarse a Hollywood y si regresó en dos ocasiones más a trabajar bajo contrato de los estudios -la Fox y la Warner-, fue únicamente y exclusivamente por razones pecuniarias... por eso y porque su gran amigo Howard Hawks, le convenció y se encargó de convencer a los productores de turno.

Hawks fue también el responsable de ese notorio encuentro entre el escritor y Clark Gable -íntimo amigo del director- y el encargado de que la anécdota pasara a la posteridad.

Faulkner nunca llegó a sentirse cómodo trabajando como guionista, el formato se le quedaba pequeño. Sin embargo, parece que no se le daba mal del todo el trabajo de “doctor de guiones” y si aparece acreditado en bastantes producciones, fue por esta labor y no por desarrollar un guión desde la faceta de sinopsis hasta el versión final.

Con esa habilidad para “arreglar” guiones contaba Howard Hawks cuando le llamó en 1944 y le pidió que le echara un cable con el proyecto en el que estaba trabajando. Se trataba de una adaptación literaria, pero la primera versión del guión, escrita por Jules Furthman, no terminaba de cuajar y Hawks estaba particularmente interesado en que el guión quedara perfecto porque había hecho una apuesta con el autor del relato original.

Hawks era bastante dado a las bravuconerías y un día, de farra con un amigo suyo -escritor de éxito que despreciaba abiertamente el mundo del cine- le apostó que era capaz de adaptar y convertir en grandísima película la peor historia que hubiese escrito jamás su amigo. Éste entonces le lanzó una novela corta que había publicado poco antes con un críptico: A ver lo que haces con esto.

“Esto” era Tener y no tener, su autor: Ernest Hemingway. La película resultó todo un éxito, tal y como vaticinara Hawks, y pasó a la historia del cine por dos motivos principales: por ser la película que lanzó a Lauren Bacall a la fama -y a los brazos en la vida real de Humphrey Bogart- y por ser la única película, hasta la fecha, basada en una novela de un premio Nobel y escrita para la pantalla por otro premio Nobel.

Hawks volvió a contar con los servicios de Faulkner como guionista en 1946.
No sabemos cómo ni por qué, pero haciendo uso de esa labia que le caracterizaba, convenció a Jack Warner de que Faulkner era la persona ideal para realizar la adaptación del que sería su siguiente proyecto: El sueño eterno.

El sueño eterno era la primera novela (publicada) de Raymond Chandler, y era, en cuanto a trama, el lío padre. La broma que circulaba por el mundillo era que antes de la adaptación cinematográfica, sólo Dios y Chandler sabían de qué iba la historia, pero una vez terminada, ni Dios era capaz de explicarla. Aquellos que hayáis visto la película sabréis a lo que me refiero.

El caso es que Faulkner, poco aficionado al sistema de trabajo de los estudios, demasiado aficionado a la botella y desesperado porque no le encontraba ni pies ni cabeza a esa novelilla que tenía que adaptar, se plantó un día en el despacho de Jack Warner y le pidió permiso para poder salir de la oficina y seguir trabajando en casa.
Warner, que había puesto a su disposición un despacho suntuoso y a dos bellas secretarias, trató de convencerle:

- Pero, hombre, con lo bien que vas a estar aquí, mira que no te vamos a presionar... Cómo gastes el tiempo y te distribuyas el trabajo es cosa tuya…

- Sí, sí, pero es que yo trabajo mejor en casa.

De modo que a Warner no le quedó más remedio que claudicar. Al cabo de un par de semanas, con motivo de alguna consulta sobre el guión, pidió a uno de sus ayudantes, que le llamara.

- Es que está trabajando en casa, Señor Warner.

- Ya, ya sé que está trabajando en casa, fui yo quien le autorizó a trabajar en casa, haga el favor de coger el teléfono y llamarle, porque quiero hablar con él inmediatamente.

- Es que… va a tener que esperar un poco, como es una llamada a larga distancia…

- ¿Cómo que una llamada a larga distancia?

- Sí, señor Warner. El señor Faulkner está trabajando en casa… en Oxford, Mississippi.

Real como la vida misma, o eso dice el propio Warner es sus memorias, aunque ¿Quién puede fiarse de un señor que llamaba a los guionistas "schmucks con Underwoods"?.

N. del A.:
Schmuck: capullo
Underwood: Marca de máquinas de escribir utilizada comunmente por los guionistas de Hollywood.

El rey de la comedia... y de los gadgets.

2006-09-16T01:00:00.000+02:00

Nació el 16 de marzo de 1926 y sus padres, actores y cómicos de profesión, le bautizaron Joseph Levitch. Creció entre bambalinas de miles de teatros y a los 16 años decidió que el instituto era una pérdida de tiempo ya que quería seguir los pasos de sus padres, de modo que dijo adiós a compañeros, profesores y libros y comenzó a recorrer los Estados Unidos actuando de local en local usando el mismo apellido que eligiera su padre como nombre profesional.

Así es como inició sus pasos en el mundo del vodevil el incombustible Jerry Lewis. Apenas tres años después, se encontró por casualidad con el que sería su compañero de actuación durante diez años, un tal Dean Martin, y en menos de un año se habían convertido en la nueva sensación del país.
Juntos hicieron teatro, radio, televisión, cine y dinero, mucho dinero. Su éxito era tal, sus legiones de fans tan numerosas que, en cierta ocasión no les quedó más remedio que improvisar una actuación en plena calle 44 Oeste de Nueva York.
Estaban actuando por aquel entonces en el Paramount Theatre. La dinámica era la siguiente: primero se realizaba una proyección de su película “My friend Irma” a continuación aparecían Martin y Lewis en persona, hacían su show y se retiraban, entonces comenzaba el segundo pase de la película y así sucesivamente. Por aquella época, las sesiones eran continuas, de modo que los espectadores podían pagar la entrada y ver la película de turno todas las veces que quisieran, sin levantarse del asiento en toda la tarde si así les placía.

Y eso es lo que ocurrió aquel día de 1949, el público del primer pase entró y abarrotó la sala, vio la película, vio el show, vio la película de nuevo, vio el show otra vez y seguía sin intención de vaciar sus butacas mientras los empresarios se desesperaban porque en la calle había cada vez más gente esperando y sin poder entrar al cine. Había que sacar a aquella gente a toda costa, de modo que se dirigieron a los camerinos donde descansaban Lewis y Martin y les explicaron el problema. La pareja salió a la sala e informó a los espectadores que iban a hacer una actuación gratuita en la calle, en la escalera de incendios junto a la salida de camerinos del teatro. Y allá que se fueron todos, cómicos y espectadores, y allí que actuaron, concentrando más y más gente alrededor de aquella escalera de incendios, hasta el punto de llegar a colapsar el tráfico de toda la zona de Times Square hasta Broadway y la calle 59.

Diez años duró, como decía, aquella colaboración entre Jerry Lewis y Dean Martin. Cuando se separaron cada uno siguió su camino. Jerry Lewis continuó con el personaje que se había creado, escribiendo, produciendo, dirigiendo y protagonizando decenas de películas de grandísimo éxito durante más de dos décadas. En 1995 batió el récord al convertirse en el intérprete mejor pagado de la historia de Broadway por su actuación en la obra “Damn Yankees”, un exitazo de público y crítica que le devolvió de golpe a las primeras líneas de las páginas de espectáculos.

De Jerry Lewis podría hablar y contaros largo y tendido: tanto su vida como su carrera son fascinantes. Sin embargo, aparte de sus éxitos profesionales (que son muchos) hay un logro de Jerry Lewis que muy poca gente conoce: Él fue quien desarrolló y por primera vez utilizó el video assist en un rodaje de cine.

El video assist es una pequeña pantalla de televisión sincronizada con la cámara para poder ver en ella exactamente lo mismo que se está filmando, sin necesidad de tener que utilizar el visor de la propia cámara. Este inventillo es indispensable hoy en día en cualquier rodaje que se precie y es una herramienta de lo más útil para prácticamente todos los equipos de un rodaje: sonido, foto, maquillaje, vestuario, dirección artística, actores… por no hablar del director y el script.

La historia de cómo Jerry Lewis “inventó” el video assist es la siguiente:

En 1960, Lewis estaba trabajando para la Paramount, protagonizando una media de dos películas al año. Para la última que había protagonizado “Cinderfella” (El Ceniciento) quería un estreno en navidades ya que le parecía que la magia de la historia era más apropiada para esa época, sin embargo el estudio quería estrenarla a toda costa en julio ya que no tenían película de Lewis para el periodo estival. Lewis se puso cazurro y, en plena reunión con los responsables del estudio les dijo que si todo lo que necesitaban era otra película, él les hacía otra película a tiempo para julio y allí mismo les improvisó y vendió la idea de “The bellboy” (El Botones). La película la rodó durante las cuatro semanas que estuvo actuando en el Fontainbleau Hotel de Miami Beach y la montó mientras actuaba en Las Vegas, entregándola a tiempo para su estreno. “The bellboy" se hizo en tiempo record, costó 900.000 dólares y recaudó, sólo en taquilla, más de ocho millones. Esta película, que escribió, produjo y protagonizó, se convirtió, además, en su primera película como director y fue durante su rodaje que Lewis se empeñó en utilizar monitores sincronizados con la cámara, monitores que repartía por todo el plató para poder ver su propia actuación, ya que como director y protagonista de la película, era la única manera que tenía de comprobar si su actuación estaba funcionando.

De esta manera, llegó el video assist al mundo del cine, de la mano de un cómico apasionado de todo lo que sean inventos eléctricos, de un actor incombustible que durante más de 40 años interpretó a la perfección el papel del tonto entrañable y que asegura de sí mismo que ama el progreso, aunque odia los cambios. How do you like them apples?

¡¡Al rico remake, oiga!!

2006-09-09T16:57:00.000+02:00

Hoy se confirmaba la noticia de que sí, se va a hacer un remake de “La Huella” (Sleuth, 1972 Joseph L. Mankiewicz), dirigido por Kenneth Branagh y protagonizada por Jude Law y Michael Caine.

Si realmente la película llega a buen puerto, tendríamos a Michael Caine participando en un remake de una película protagonizada originalmente por él, pero, en esta ocasión, en el papel del “otro” protagonista (que en el original era Lawrence Olivier). Por si eso fuera poco, protagonizaría la película junto a Jude Law, encargado en esta ocasión del papel que originalmente protagonizó el propio Michael Caine, y no olvidemos que Jude Law ya ha realizado un remake de una película de Michael Caine, nada menos que Alfie, la película que le lanzara a la fama mundial.

¿Complicado? El mundo de los remakes es así, por mucho que la gente diga que se han puesto de moda ahora, los remakes existen desde que el cine es cine, y por remake me refiero a: versiones, homenajes, plagios descarados, argumentos levemente inspirados por, versiones musicales de películas de éxito (sobre esto hablaremos largo y tendido otro día). Al fin y al cabo, y no nos engañemos, en cuanto a historias, está todo contado desde la época de Sófocles y Eurípides, así que…

Ahora, eso sí, dentro del fenómeno “remake” hay algo que siempre me ha fascinado: los remakes hechos por los propios directores.

Son varios los que un buen día se levantaron y pensaron “esa peliculilla que hice hace 20 años no estaba nada mal… mmmm, a lo mejor podría hacerla otra vez ¿no?”

Ilustres directores rehaciendo ilustres películas y, curiosamente, en la mayoría de los casos que voy a citar a continuación, de hecho, en todos menos en uno, es la segunda la que más conoce la gente, vais a ver…

William Wyler rodó en 1936 una película basada en una obra de teatro de Lillian Hellman, bastante controvertida, y que en su versión cinematográfica se tituló “These three” (Esos tres en España), la película estaba protagonizada por Miriam Hopkins, Merle Oberon y Joel McCrea. El propio Wyler se encargó de realizar su remake casi treinta años después, en 1961, en esta ocasión con Audrey Hepburn, Shirley MacLaine y James Garner en los papeles protagonistas y bajo el título de “La Calumnia” -“The Children’s Hour” en el original-.

Leo MacCarey, para muchos el rey indiscutible del dramón romántico, hizo una película en 1939 llamada “Love Affaire” con Charles Boyer –el de “no te enrolles charlesboyer”- e Irene Dunne, en 1957 la rehizo con Cary Grant y Deborah Kerr y la tituló “An affaire to remember” aunque en castellano mantuvieron ambas el mismo título: Tú y yo.

¿Seguimos?

A Howard Hawks le gustaba tanto su película “Río Bravo” (1959) -¿Y a quién no?- que tan sólo siete años después y ya en pleno rodaje, mandó a la porra el guión aprobado de “El Dorado”, para convertirla en un auténtico remake de la anterior. Genio y figura.

Y, por supuesto, Hitchcock se permitió el lujo de rodar “El hombre que sabía demasiado” dos veces, la primera en Inglaterra en blanco y negro, en 1934 y la segunda en 1956, ya en Hollywood, en colorín, con James Stewart, Doris Day y una cancioncilla de lo más pegadiza que dice algo así como “¿Qué será, será?”. Canción, por cierto, que a Doris Day no le convencía lo más mínimo y que, sin embargo, no sólo ganó el Oscar sino que se convirtió en el mayor éxito de su carrera como cantante. Paqueveastú.

Sin embargo, el remake que más me fascina de todos los llevados a cabo por directores, es el remake que hizo Woody Allen de su película Septiembre. Sí, remake que, sin embargo, no figura en su filmografía porque la primera versión nunca llegó a estrenarse.

La historia es la siguiente, Woody Allen escribe el guión de Septiembre, se mete en un estudio (la película transcurre toda en el interior de una casa y es 100% decorado), rueda la peli, sale del estudio, monta el material y se da cuenta de que ha cometido varios errores de casting, errores imperdonables, a su modo de ver. Y como es así de chulo, y él lo vale, y no gasta mucho y tiene unos productores que le dejan hacer lo que le da la gana, vuelve a meterse en el estudio y rueda la película entera, de nuevo, cambiando a algunos de los actores. En el camino se quedaron, Maureen O’Sullivan –madre de Mia Farrow, por entonces pareja de Allen- sustituida por Elaine Stritch, Sam Shepard, sustituido por Sam Waterston y Charles Durning, sustituido por Denholm Elliot, que cambió de papel y fue sustituido a su vez por Jack Warden.
Desgraciadamente, de la primera versión no queda ni el negativo original, así que, en este caso, no podremos permitirnos el lujo de comparar.

Cosas del cine… y de los directores.

Anoche soñé que volvía a Manderlay...

2006-09-05T19:56:00.000+02:00

En 1940 y tras realizar “Posada Jamaica”, tal vez la más atípica de sus películas, Alfred Hitchcock aterriza en Hollywood para trabajar en su primer proyecto americano.
Contratado por David O. Selznick, Hitchcock aprovecha que por fin puede permitírselo económicamente y elige una novela de Daphne du Maurier que quería adaptar hacía tiempo pero cuyos derechos no se podía permitir – de du Maurier eran también “Posada Jamaica” y “Los Pájaros”, que Hitchcock adaptó 23 años después-.

“Rebeca” no es, ni mucho menos, una de las películas emblemáticas de Hitchcock, ni siquiera es una de mis favoritas, sin embargo es una película muy especial dentro de la filmografía de Hitchcock por diversas razones.

No sólo marcó el comienzo de la etapa americana de Hitchcock, sino que fue una de sus películas con mayor número de nominaciones a los Oscars –once en total- y la única de toda su filmografía en recibir el premio a la mejor película. Este Oscar, además, supuso el segundo premio consecutivo para el productor David O. Selznick, que ya lo había ganado el año anterior por “Lo que el viento se llevó”.

La película arrasó y aquí, en España, su éxito fue tal que empezó a llamarse rebecas al tipo de chaquetas que luce la protagonista y eso, a pesar de que Rebeca es el nombre de un personaje que no aparece ni un solo momento en pantalla; a la sufrida protagonista, ni Daphne du Maurier, ni los guionistas, llegan a darle nombre propio en ningún momento.
Y como sé que el tema de la etimología de la palabra rebeca ha sido motivo de discusión con anterioridad y varias de mis amistades se han permitido el lujo de ponerlo en duda e, incluso, mofarse de mi teoría, aquí dejo la definición de la Real Academia, ésa que limpia, pule y da esplendor:

rebeca.
(Del n. p. Rebeca, título de un filme de A. Hitchcock, basado en una novela de D. du Maurier, cuya actriz principal usaba prendas de este tipo).
1. f. Chaqueta femenina de punto, sin cuello, abrochada por delante, y cuyo primer botón está, por lo general, a la altura de la garganta.

Tal que así, vaya...

Opening Night

2006-09-04T16:54:00.000+02:00

Arrancamos...

Nace otro blog de cine, un blog de cine en el que no leeréis una sola crítica y/o análisis; en el que no podréis informaros sobre las novedades de la cartelera ni sobre los futuros proyectos de las grandes estrellas del celuloide.

Un blog de curiosidades, anécdotas y leyendas sobre y de cine. Porque la historia del séptimo arte está llena de ellas y yo me las sé todas. (¡¡Toma ya!!)

Y porque ya estoy harta de contárselas todas a Ivan Reguera para que se lleve él la gloria, caramba.

Arranca, pues, con la inestimable colaboración del ubicuo Leandro, "That's Entertainment!", entrada gratuita para todos, oye.